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自己写歌如何自动编曲?

一、自己写歌如何自动编曲?

目前尚无自动编曲的完美解决方案。因为自动编曲需要利用大量的音乐理论知识和规则,但是这些知识和规则非常复杂,且随着音乐风格和表现形式的不同而不断变化。目前市面上有一些音乐编曲软件可以提供一些基础的自动编曲功能,但是需要用户自己进行修改和调整,才能达到更加自然和符合个人想象的效果。如果想要自己写歌并且自动编曲,建议学习音乐理论知识和技巧,积累更多的音乐经验,不断地进行试错和实践,以此来提高自己的音乐创作能力和技术水平。

二、怎样编曲、写歌?

在了解如何自己编曲做歌之前,我们先要明确一首歌曲从idea到发行的主要流程。

一首歌曲制作的主要流程有如下几个步骤:作曲——编曲——录音——混音——母带。

作曲人在有灵感之后把灵感记录下来,这就是作曲,然后找到相关的技术人员,使用电脑中的软件(如FL Studio)进行编曲,这时会生成第一版Wav文件,称为Demo。

在编曲工作完成之后,作曲人和编曲人会对整首歌曲进行审视,如果软件音源的质量不尽人意,就需要请乐队进行实录,如果需要vocal,就要对其进行录制。这就是录音,在录音之后再对所有元素进行混音,最后再做母带,这样一首歌就制作完成了。

在我看来,要做成一首歌,作曲,编曲,是一定要掌握的,这也是整首歌从无到有的必经之路,最好还能掌握一些混音的知识,在过去的硬件时代,购买混音所需的设备需要花费大量的资金,但近些年来随着插件的普及,学习混音的成本也变得越来越低。学习混音能够让你在整首歌的编排上有一个更清晰的思路。

三、5 有什么软件可以自己写歌编曲?

可以下载这几个软件:NUENDO和影视配乐工作站/音乐工作站

四、怎么自己写歌编曲?

自己写歌编曲需要先有一个创作的灵感和思路,可以根据自己的情感和经历进行创作。选择合适的音乐软件,并了解其基本操作。

可以学习音乐理论,包括和弦、曲式、旋律等方面,这有助于作曲和编曲。

可以使用 MIDI 键盘来录制和演奏自己的创作,也可以在电脑上使用虚拟乐器进行编曲。同时,可以多听一些优秀的音乐作品,学习乐器演奏技巧和音乐风格的变化,从而帮助自己更好的创作和编曲。

最重要的是,要有耐心和创造力,不断尝试和提高自己的音乐水平。

五、怎么写歌词编曲?

关于这个问题,配曲的过程需要根据歌词的情感氛围和主旋律来进行。以下是一些基本步骤:

1. 理解歌词:首先需要理解歌词的情感表达和主题,包括歌曲的节奏、韵律和情感氛围等。

2. 确定主旋律:根据歌词的情感氛围和主题,确定适合的主旋律,包括主旋律的节奏、旋律和和弦等。

3. 创作和弦:根据主旋律,创作适合的和弦进行,以营造出适合歌词情感的音乐氛围。

4. 添加编曲和独奏:根据歌曲的风格和情感氛围,添加适合的编曲和独奏,以增强歌曲的表现力。

5. 调整细节:根据需要,对歌曲的细节进行调整,包括节奏、和声、编曲等。

6. 试听和修改:完成初步的配曲之后,进行试听和修改,以确保歌曲的整体效果和情感表达符合预期。

在配曲过程中,需要注意歌词和音乐之间的协调和统一,以达到更好的艺术效果。

六、beyond怎么写歌编曲

1.

套路和弦起手,选择基本的和弦走向;

2.

写出旋律核心句Hook,进行填充;

3.

确定歌词立意,反推旋律音程的情感表达是否吻合,进行校对;

4.

选择更具有强烈情感倾向的小众和弦,将旋律和歌词的情感性进行细化填充。

5.

剩下的交给配器和编曲人;

七、自己写歌如何编曲?

编曲指的是一首歌的伴奏部分,就是去掉歌手唱的部分,编曲的核心在于用不同乐器进行编配。它既不是古典音乐体系中配器法在流行音乐领域中简单的复制与模仿,也不是狭隘的电声乐队配器,而是通过对现代流行音乐配器的分析与总结。

基础乐理

“乐理”是所有音乐课程学习的基础内容其中包括“音阶、乐音体系、调式、音程”等一系列具有催眠效果的知识点。作为零基础初学者想要学好编曲所需要的乐理知识就要从熟记音名和唱名开始到基础的音程(两个音)构建再到和弦(三个音及以上)构建。流行歌中常用到的就会是七和弦、九和弦、十一和弦等高叠和弦学习了乐理入门写作实战时会更加轻松一些。

下文讲解搭配视频可以更好的学习乐理知识《【基础乐理入门(共38集)-哔哩哔哩】 https://b23.tv/MJz2HsM》

音符

音符由三个部分组成,即符头、符干和符尾。

音符的种类有:

1、全音符:没有符干和符尾的空心的白色音符叫“全音符”;

2、二分音符:带有符干、没有符尾的白色音符叫“二分音符”,等于全音符1/2的时值;

3、四分音符:带有符干、没有符尾的黑色音符叫“四分音符”,等于全音符1/4的时值;

4、八分音符:带有符干和1条符尾的黑色音符叫“八分音符”,等于全音符1/8的时值;

5、十六分音符:带有符干和2条符尾的黑色音符叫“十六分音符”,等于全音符1/16的时值;

6、三十二分音符:带有符干和3条符尾的黑色音符叫“三十二分音符”,等于全音符1/32的时值;

7、六十四分音符:带有符干4条符尾的黑色音符叫“六十四分音符”,等于全音符1/64的时值。

调号

调号就是在五线谱上,谱行开头的谱号后面标注的变音记号。这个变音记号对乐谱中所有同名音都有效,也就是说,调号中的升降号标在哪个音的位置,则乐谱中遇见所有这个音以及它们的同名音(八度的倍音)都要按谱号中的升降号升高或降低半音。

升号调:C G D A E B #F #C(bD)

降号调:F bB bE bA bD bG bC(B)

原理:先看这个五度圈图

调号上面使用升号(#)的称作「升号调」;

调号上面使用降号(b)的称作「降号调」;

一个自然音阶里有七个音,所以升降号最多能加七个。

「升号调」:

1、比C调的构成音多一个升号的调是G调(G,A,B,C,D,E,F#),所以G调调号有1个升号;

2、比G调的构成音多一个升号的调是D调(D,E,F#,G,A,B,C#),所以D调调号有2个升号;

3、比D调的构成音多一个升号的调是A调(A,B,C#,D,E,F#,G#),所以A调调号有3个升号;

4、比A调的构成音多一个升号的调是E调(E,F#,G#,A,B,C#,D#),所以E调调号有4个升号;

5、比E调的构成音多一个升号的调是B调(B,C#,D#,E,F#,G#,A#),所以B调调号有5个升号;

6、比B调的构成音多一个升号的调是F#调(F#,G#,A#,B,C#,D#,E#),所以F#调调号有6个升号;

7、比F#调的构成音多一个升号的调是C#调(C#,D#,E#,F#,G#,A#,B#),所以C#调调号有7个升号;(极不常用)

对此总结上述规律,随着升号增加:

C→G→D→A→E→B→F#→C#

恰好相邻的两个音之间构成的是纯五度关系。而且随着升号的增加,先后被升高的音分别是:

F,C,G,D,A,E,B

相邻的两个音之间也是纯五度关系,升号调调号上写升号的顺序也是这个顺序。

「降号调」:

1、比C调的构成音多一个降号的调是F调(F,G,A,Bb,C,D,E),所以F调调号有1个降号;

2、比F调的构成音多一个降号的调是Bb调(Bb,C,D,Eb,F,G,A),所以Bb调调号有2个降号;

3、比Bb调的构成音多一个降号的调是Eb调(Eb,F,G,Ab,Bb,C,D),所以Eb调调号有3个降号;

4、比Eb调的构成音多一个降号的调是Ab调(Ab,Bb,C,Db,Eb,F,G),所以Ab调调号有4个降号;

5、比Ab调的构成音多一个降号的调是Db调(Db,Eb,F,Gb,Ab,Bb,C),所以Db调调号有5个降号;

6、比Db调的构成音多一个降号的调是Gb调(Gb,Ab,Bb,Cb,Db,Eb,F),所以Gb调调号有6个降号;

7、比Gb调的构成音多一个降号的调是Cb调(Cb,Db,Eb,Fb,Gb,Ab,Bb),所以Cb调调号有7个降号;(极不常用)。

对此总结上述规律,随着降号增加:

C→F→Bb→Eb→Ab→Db→Gb→Cb

恰好相邻的两个音之间构成的是纯四度(纯五度的转位)关系。而且随着降号的增加,先后被降低的音分别是:

B,E,A,D,G,C,F

相邻的两个音之间也是纯五度关系,降号调调号上写降号的顺序也是这个顺序。

在实际使用时,由于十二平均率里的等音关系,为了避免升降号过多影响读谱,通常:

B调代替Cb调,Db调代替C#调。

全音和半音

音名和唱名

节拍

小节:小节与小节之间,以纵线为界。

节拍:每隔一定时间重复出现的有一定强弱分别的一系列拍。

拍号:分数表示,分母表示以什么音符为一拍,分子表示一小节有几拍。

例:4/4拍,以四分音符为拍,每小节有四拍。

歌曲速度

以每分钟节拍数计数,单位BPM。

例:6OBPM=每分钟60拍。

简谱常用标记

升降标记

升降调是用来调节旋律的曲调高低,播放器里的移调,是以小二度为单位,也就是半音,依次进行升降调。如果要以大调式为例,E调的调号是4个升号,F调的调号是1个降号,E调与F调的根音的确差半音,那它们的调号就相差5个记号。G调调号是1个升号,根音与F调差2个半音,调号就差2个记号。

一般在乐谱上,移调是以记号而不是半音数为单位的,根音上/下行5度,就增加一个升/降记号。

唱名法

唱名法,有固定唱名法和首调唱名法。

1、固定调唱名法/C调唱名法

以绝对音高为基础,任何调下永远不变。

即1234567=CDEFGAB,音名唱名任何调下不变。固定调对于需要根据五线谱视奏的乐器更方便,如提琴。

2、首调唱名法

以相对音高为基础,不同调下的唱名对应音名变化。先确定主音,再按照调式/音阶排列规律得到具体音名。

如:G大调,以G为主音,按照大调调式1234567排列,得到GABCDEF#

唱名,以什么调为主音的,就以主音为do。

如:C调,1=C;A调,1=A

首调更注重主音,以及其他音级和主音的关系。

首调在即兴伴奏,流行/爵士即兴等情况下更方便。自然大调的唱名1、2、3、4、5、6、7。

自然小调的唱名1、2、b3、45、b6、b7,为方便使用,自然小调以6为主音的唱名6、7、1、2、3、4、5。

3、调式

以一个音为主,按照一定规律排列构成的音阶,就是调式。为为主的音,叫做主音。

调式中各音之间的关系,就是稳定与不稳定。

在三个稳定音中,其稳定程度也是不同的,其中最稳定的音,就叫做主音。

根音

音程中的较低音叫做“根音”(root),位于原位和弦最下面,根音上的三度音称为三音,根音上的五度音称为五音。任何音阶中的任意音级均可作为根音,于其上方加入三音与五音而构成三和弦,每个和弦视其根音在音阶上的名称或音级数而命名。在和弦的基本形态中是最下端的一音。

根音的具体规则:

规则一

根音必须是和弦基本形态中最下方的音;

规则二

英文字就是根音,例如:C的根音是C,Cm的根音也是C,C7的根音一样是C。同理:Em根音就是E,G根音就是G,D7根音就是D;

规则三

俗称的“分数和弦”,“分子”是根音,“分母”是最低音,C/G则是C为根音G为最低音,C/E是C为根音最低音是E。同理,G/B就是G为根音B为最低音。

音程

音程指两个音级在音高上的相互关系,就是指两个音在音高上的距离而言,其单位名称叫做度。

音程由属性、数字、单位组成,例如纯五度、大三度。

如下,C到G有5个白键,所以是五度;#C到G也是五度。所以用属性区分为纯五度和减五度。

音程指两个音级在音高上的相互关系,就是指两个音在音高上的距离而言,其单位名称叫做度。

音程由属性、数字、单位组成,例如纯五度、大三度。

如下,C到G有5个白键,所以是五度;#C到G也是五度。所以用属性区分为纯五度和减五度。

属性总共包含7种:纯、大、小、增、减、倍增、倍减。纯,只能在一四五八度出现;大/小只能在二三六七度出现,其他的属性共用。

属性:纯、大、小、增、减、倍增、倍减一、四、五、八度:纯(增、减、倍增、倍减)二、三、六、七度:大小(增、减、倍增、倍减)

八个标准音程

标准音程包含的白键和黑键总和是固定的,1到1是纯一度,有一个键;1到2是大二度,有3个键;1到3是大三度,有5个键。

节奏

音乐节奏有:切分、三连音。

三连音

三连音,即是三等分1拍、2拍或4拍,每个音唱(奏)1/3拍、2/3拍或4/3拍。也可以理解成三个音唱(奏)两个音的长度,如4/4拍中三个四分音符组成的三连音唱(奏)两个四分音符的长度即两拍。

这是一种典型的节奏变化,乐曲进行时,突然的三连音将给人节奏“错位”、不稳定的感觉。乐谱表示为连音线中间有个“3”的标记。

大切分

切分节奏是旋律在进行当中,由于音乐的需要,改变常规的节奏规律,音符的强拍和弱拍发生了变化和强调,而出现的节奏变化。

三个音符A、B、C,他们的排序是ABC,这时,A+C=B,AC被B所切分。这只是众多切分形式中的一种特殊形式。还可以1个音符被多个音符所切分,如:1/8、1/4、1/4、1/8;1/2、1、1、1、1/2等。

扩展资料:

节奏与节拍在音乐中,永远是同时并存的,并以音的长短、强弱及其相互关系的固定性和准确性来组织音乐。节拍就好像列队行进中整齐的步伐;节奏就好像千变万化的鼓点。

用强弱组织起来的音的长短关系,就叫做“节奏”。

有强有弱的相同的时间片段,按照一定的次序循环重复,就叫做“节拍”。

和声

静态和动态

和声乐器的织体表现形态分为两种:静态和动态。

静态,也称和声形态,乐器主要是以持续性的和弦长音演奏,很多歌曲中用到的pad铺底、弦乐等就是这种形态,可以根据实际情况选择演奏单音、音程或是和弦,这主要取决于对织体厚度的要求(当然总的原则是上秘下疏中不空)。和声乐器主要用于融合各种音色,增加氛围感和立体空间感。

动态,也称节奏形态,乐器主要是以柱式、分解等变化较快的演奏方式填充织体的内声部层,使音乐获得前进的推动力,节奏型的适当变化可以使音乐增加活力和感染力,更好地表达情绪的变化。

Bass

Bass的写作力求得到的是一个清晰流畅、旋律感强的BASS声部。

从和声上讲,注意好音程关系,而作为低音乐器,跳进往往比级进更能得到清晰明朗的效果,若使用级进,则连续下行效果会比较好。

从织体上讲,应处理好Bass和底鼓的关系,尽量避免低频碰撞。

从音色上讲,注意搭配底鼓和Bass的音色就行。

从音区上讲,低音下潜越深越好,但也要注意Bass的音域,保持音色的清晰度。

在和弦音的重复中,低音重复也是要注意的,如果和声乐器的低音音区与Bass演奏音区相接近,这时,两者的低音最好相同(其他低音乐器也是一样),这样可以加强低音声部,反之容易混淆,织体表达不清晰。

和声乐器处理

和声乐器的一些处理,当内声部中填充有多个乐器且比较接近时,那么可以使用以下一些技巧达到更好的效果。

首先,可以采用不同的排列法(密集和开放排列)相互补充,一来得到了更饱满的音响效果,二来避免和弦音完全重复抹杀了特定乐器的音色。其次,可以通过调节声像方位来分散平衡内声部的堆砌感。再次,可以适当处理音色,从而避免同音区音响上的堆砌。

声音的色彩

再来说说关于声音的“色彩”。其实声音也可以分成冷和暖的。高频尖锐的声音(如钢琴)就是偏向冷色调的,而低频乐器的声音就比较温暖。音色冷暖的合理搭配也是织体编写中需要适当斟酌的。

当几个音共同发出音响并且形成了连续的进行这时它们就构成了和声的关系。相比横向的旋律走向和声讲究的是音的纵向分布与排列。它对于音乐作品的发展对于加深和丰富音乐作品的表现力具有非常重要意义。流行歌写作中最常用到的几种经典和声走向举例如下:

第一种:C–Am–F–G(“烂大街走向”:1645);

第二种:F–G–Em–Am–Dm–G–C(经典副歌走向:4536251);

第三种:C–G/B–Am–G–F–C/E–Dm–G(经典卡农走向:17654325)。

综上所述建议零基础初学者建议掌握和弦的基本用法和声掌握经典走向后尝试用高级和弦来替代基础和弦。

和声方面推荐的学习资料有《流行音乐与爵士乐和声学(第2版)》(任达敏),《爵士和声》(陈云强)。

和弦

和弦是指有一定音程关系的一组声音,即将三个或以上的音,按照三度或非三度的叠置关系,在纵向上加以结合,就称为和弦。

和弦属性

根据和弦属性,三和弦有:大三和弦、小三和弦、增三和弦、减三和弦。

大三和弦:

根音到三音是大三度,三音到五音是小三度。

有:一级和弦、四级和弦、五级和弦(1、4、5)

小三和弦:

根音到三音是小三度,三音到五音是大三度。

有:二级和弦、三级和弦、六级和弦(2、3、6)

减三和弦:

根音到三音是小三度,三音到五音是小三度。

只有:七级和弦。

和弦标记方式

大三和弦:Major,标记方法可省略,如:C和弦

小三和弦:Minor,标记方法可简写m,如:Am和弦

减三和弦:Diminish,标记方法可简写dim,如:Bdim和弦

普通和弦

三和弦

由三个音按照三度关系叠置起来的和弦,叫做三和弦。三和弦各音由下而上称为根音、三音、五音,分别以1、3、5标记。

七和弦

由四个音按照三度关系叠置起来的和弦,叫做七和弦。七和弦各音由下而上称为根音、三音、五音、七音,分别以1、3、5、7标记。

常用和弦

(1)卡农进行

钢琴曲《卡农》中使用的和弦进行

1—V—Vlm—Illm—IV—I—IV—V;15634145

l—V—Vlm—Illm—IV—I—Ilm—V;15634125

情感/色彩:抒情、叙事感

曲式

常见的曲式结构如下:

1、单一部曲式:这种曲式结构最简单,它一般由几个乐句构成,没有明显的重复段落,没有第二主题,也没有副歌。

2、单二部曲式:由两个乐段构成的曲式,叫做单二部曲式,结构为A+B。

3、单三部曲式:由三个乐段构成,其中第一段和第三段是一样的材料,结构为A+B+A。

4、复三部曲式:这种曲式的大结构与单三部曲式完全一样,只是在这里的三个段落中,每个段落还包含一个独立的曲式结构,可能为单二部曲式,可能为单三部曲式。

5、回旋曲式:这种曲式由两种部分构成,为主部与副部。回旋曲式的产生源于声乐性的轮舞曲,在轮舞曲中有分节歌与副歌,分节歌通常是独唱,副歌是合唱,每次独唱完成后都会回到合唱,每次的合唱部分都是相同的。

6、变奏曲式:变奏曲一开始会有一个完整的主题段落,在后面的段落中,都是这个主题的发展变化。

编曲设备

宿主选择

我们在挑选电脑之前,首先得挑选一下我们想要在哪个平台进行编曲工作,常见的就是win平台与Mac平台。随后就要选择自己主要会用到的宿主。

编曲软件很多,但实际上,不同的软件有着不同的特点,而不同音乐编曲软件的选用,和大家的作品风格、使用习惯等息息相关。了解不同软件的特点,了解它们最适合的音乐风格,了解它们的长处与缺点,可以帮助大家更快更顺畅地踏上音乐编曲的道路。

目前网络上有很多宿主软件教学同样我们需要学习的是共性而不是逐个软件学习过去。先尝试精通其中一款经典软件后从个性中总结出共性再尝试其他软件因此这一款软件的选择就显得十分重要。为大家推荐几款常用的宿主软件。

Cubase

作为新手这款软件最容易上手。配合这个视频和我在下文整理的笔记可更有效地学习。《【B站最全最详细的Cubase教程(117集),从零到精通!编曲混音、录音修音、音频后期、音乐制作必备!-哔哩哔哩】 https://b23.tv/tN1lPPc》

Cubase(酷贝斯)具有MIDI音序、音频编辑处理、多轨录音缩混、视频配乐、环绕声处理等功能。Cubase的强大,在于它的一切参数都需要自己控制,它常常是工业化制作的必备软件,但也正因为如此,Cubase这款软件拥有编曲、录音、混音三体合一的强大功能。Cubase在输出时不对声音着色,这也是Cubase受到各方面音乐人欢迎的原因之一。

Cubase官网:点击进入

https://www.steinberg-cn.com/

快捷键

功能键

1、F2功能键:显示/隐藏走带控制条

2、F3功能键:打开/关闭Mixer(调音台)窗

3、F4功能键:打开/关闭音频输出窗口

4、F9/F10功能键:鼠标工具选择

单指键

1、Q键:量化MIDI音符

2、I键:打开/关闭插入录音模式

3、0键:打开/关闭穿出录音模式

4、S键:使当前选中音轨独奏

5、F键:打开/关闭自动光标跟随模式

6、G键:横向缩小窗口显示比例

7、H键:横向放大窗口显示比例

8、J键:打开/关闭对齐模式

9、Z键:纵向放大窗口显示比例

10、C键:打开/关闭节拍器

11、B键:使播放指针移动到前一个小节

12、N键:使播放指针移动到下一个小节

13、M键:使当前选中音轨静音

Ctrl键

1、Ctrl+N键:新建文件

2、Ctrl+0键:打开文件

3、Ctrl+W键:关闭文件

4、Ctrl+S键:保存文件

5、Ctrl+Z键:撤销

6、Ctrl+X键:剪切

7、Ctrl+C键:复制

8、Ctrl+V键:粘贴

9、Ctrl+D键:加倍

10、Ctrl+G键:编组

11、Ctrl+U键:取消编组

12、Ctrl+P键:打开素材池

13、Ctrl+M键:打开标记设置

14、Ctrl+T键:打开速度轨

Shift键

1、Shift+T键:改变速度

2、Shift+S键:打开工程设置

3、Shift+F键:横向缩小窗口显示比例至最小

4、Shift+B键:播放指针移动到前一个标记点

5、Shift+N键:播放指针移动到下一个标记点

小键盘键

1、数字0键:停止

2、小数点键:播放指针回零点

3、数字1键:左定位指针

4、数字2键:右定位指针

5、数字3键﹣9键:分别控制3--9定位标记

6、加号键:快进

7、减号键:快退

8、乘号键:录音开始/停止

9、除号键:循环开关

缩放键

1、Ctrl+鼠标滚轮:横向缩放

2、Shift+鼠标滚轮:纵向缩放

3、Shift+F:缩放到合理范围

4、G:横向缩小

5、H:横向放大

6、Shift+G:纵向缩小

7、Shift+H:纵向放大

多步骤键

1、选择一个轨道,按住Shift再选择另一个轨道,便能一并选择两者之间的所有轨道。

2、AIt按住不放,鼠标拖动选择的事件,将复制出新的内容

快捷键自定义设置:菜单栏——编辑——快捷键

音符时值

1、在Cubase如何表示时值

FL Studio

FL Studio,国人习惯叫它“水果”。

FL Studio提供了音符编辑器,编辑器可以针对作曲者的要求编辑出不同音律的节奏,例如鼓,镲,锣,钢琴,笛,大提琴,筝,扬琴等等任何乐器的节奏律动。其次提供了音效编辑器,方便快捷的音源输入。

对于在音乐中所涉及的特殊乐器声音,只要通过简单外部录音后便可在FL Studio中方便调用,音源的方便采集和简单的调用造就了FL Studio强悍的编辑功能。

FL Studio对新手十分友好,调用音色以及素材十分方便,且对电音类制作效果很好,尤其适合音乐编曲初学者以及对电音需求高、依赖素材偏多的人。

点击视频学习详细编曲教程。《【【官方正版】FL studio 20 水果中文快速操作入门教程-哔哩哔哩】 https://b23.tv/tH4bHXV》

fl官网:点击进入

https://www.flstudiochina.com/?utm_medium=wm&utm_source=wm.makeding.com&utm_content=FL+Studio&utm_campaign=lm_lillian&utm_term=LM_mingyu&wm_cs_key=f8114741-77cc-452b-8952-3496268478be

编曲步骤

1、导入主旋律

使用水果软件进行编曲之前,需要将主旋律导入到水果软件。点击顶部菜单栏“视图”-“播放列表”,将本地主旋律拖入到播放列表轨道。

2、给主旋律配上和声

点击水果编曲软件顶部菜单栏“文件”-“钢琴卷帘”。打开钢琴卷帘窗口,可以看到钢琴的黑白琴键展示在窗口,通过鼠标左键点击格子给主旋律配上和声。详细教程可以参考水果编曲软件教程《如何用钢琴卷帘功能去进行编曲》。

3、添加节奏乐器

水果编曲软件主要是通过通道机架添加节奏乐器。点击顶部菜单栏“视图”-“通道机架”,即可打开通道机架。然后点击其底部“+”添加节奏乐器,比如添加鼓乐器“bassdrum”。详细教程可以参考水果编曲软件教程《如何用通道机架功能编辑一段节奏》。

4、添加混音效果

点击水果软件顶部菜单栏“视图”-“混音器”,即可打开混音器。再点击右侧插槽,选择效果器。

混音效果器总共包括压缩效果器、均衡效果器、混响效果器三类,比如这里添加“Fruity Reeverb2”制造一种回声的效果。详细教程添加混音效果可参考《善用FL Studio的混音效果器,编曲音效更加动听!》。

Logic Pro X

logic Pro X是苹果公司的一款专业音频制作软件。

点击视频详细学习编曲教程。《【Logic Pro X 中文详细使用教程-哔哩哔哩】 https://b23.tv/g2b9MmI》

大家喜欢它的所见即所得,喜欢它的自带音色,喜欢它的曲线和画面支持。它对新手也较友好,但对老手以及鼠标党而言,显得不给力,组合键过多,不便记忆,主要适用于大量画面音乐制作人以及流行音乐作者。

Logic Pro X官网:点击进入

https://www.apple.com.cn/logic-pro/

以上就是为大家推荐的三款Daw,总的来说,对于新手而言,FL Studio是最友好,且最具有性价比的选择,而对于在音乐编辑上已经逐渐走上正轨的老手而言,FL Stdio中丰富的素材和插件也将成为其不可取代的优势。

快捷键

全局

1、全选:⌘+A

2、撤销:⌘+Z

3、取消撤销(前撤):⌘+⇧+Z

4、开启关闭当前循环Looper:C

5、循环当前选中音频/MIDI:选中音频/MIDI+U

6、跳过当前选中循环:⌘+单机Loop黄条

7、节拍器开启关闭:K

8、打开Track Header:⌥+T

9、隐藏轨道:H

10、建立新轨道:⌥+⌘+N

11、添加新的软件乐器轨道:⌥+⌘+S

12、添加新的音频轨道:⌥+⌘+A

13、复制当前轨道:⌘+D(D=Double)

14、按照同样位置/长度复制当前内容(MIDI、音频、MIDI音符):⌘+R(R=Repeat)

15、修改当前片段名称:(选中某一段落后)⇧+N(N=Name)

16、修改轨道名称后继续快速换行修改:Tab

17、打开/隐藏library:Y

18、打开音频设置:⌥+X

19、打开/隐藏Inspector:I(I=Inspector)

20、打开隐藏混音界面:X(X=Mix)

21、放大当前区域:Z(Z=ZOOM)

22、打开Global:G(G=Global)

23、快速打标记Marker:⌥+‘

24、移动到:/

25、打开乐段AppleLoop:O(O=Loop)

26、打开文件:F(F=File)

27、导入文件:⌘+I(I=Import)

28、把多个轨道放入一个组内:(选中所需轨道)⇧+⌘+D

29、⇧+⌘+G(G=Group)可以直接把选中轨道给Summing

30、在进度条处播放:鼠标双击进度条(可以忽视Looper)

31、放大/缩小横轴纵轴:⌘+方向键

32、拖动放大横轴纵轴:⌥+鼠标左右/上下拖动

33、音频区域选择:⌘+拖动选中区域+点击选中区域(音频段落自动剥离出来)

34、在当前位置合并为音频BounceinPlace:选中所需区域⌃+B(B=Bounce)

35、打开笔记:⌥+⌘+P(超好用的创作记录工具)

36、打开自动化:A(A=Automation)

37、选中自动化区域:⌘+鼠标拖动(此时可以直接拖动当前区域的自动化参数)

38、调整自动化曲线:⌃+⇧+鼠标拖动

39、删除当前轨道所有自动化:⌃+⌘+Delete(无论多乱,一键删除)

40、切换自动化参数:⌘+Y(配合这个快捷键,切换参数后,可以一键删除所有不需要的自动化参数)

41、打开F lex按钮:⌘+F(F=Flex)

42、调出工具菜单:T

43、鼠标:T+T

44、剪刀:T+I

45、Mute:T+M

46、Fade工具:T+A

47、打开轨道颜色选项:⌥+C(C=color)

48、现实隐藏当前所有插件窗口:V(像下图无论多少个插件,直接V全部隐藏/显示)

49、打开当前轨道插件:选中当前轨道后,⇧+1、2、3、4(数字代表第几个插件)

50、改变MIDI段落总体的时长:⌥+边缘拖动(例如2Bar4个和弦,可以拉长为4Bar4个和弦)

51、从选中片段的开头播放Play from region:选中一个片段+Shift+Space空格

52、合并所选区域:⌘+J(J=Join)

53、在指针的位置切割片段:⌘+T

54、打开去「除音频之间的静音部分」功能:⌃+X

55、给混音「辅助轨」道建立「编辑轨道」(用于自动化):⌃+T

钢琴卷帘

1、打开/隐藏钢琴卷帘:P(P=Piano)

2、打开/隐藏编辑界面:(选中音频则是音频编辑界面,选中MIDI则是MIDI编辑界面)E(E=Edit)

3、打开乐谱界面:N

4、MIDI工具栏:(在MIDI编辑区域内)T

5、书写MIDI:T+P

6、MIDI移动半音:⌥+上下方向键

7、MIDI左右移动一格:⌥+左右方向键

8、MIDI移动八度:⇧+⌥+上下方向键(贼好用)

9、平均分割MIDI:(在剪刀工具下T+I)⌥+鼠标点击

10、MIDI自动化:(在钢琴卷帘界面里)A

11、快速拖动调节MIDI力度:⌃+⌘+鼠标拖动

12、MIDI力度相同:(在力度工具下T+V)⌥+⇧+鼠标拖动

13、统一MIDI长度:(选中所需MIDI)⌥+⇧+鼠标拖动

14、MIDI力度画线:选中音符后,在力度区域画一条线

15、(在不录音的情况下)将演奏的MIDI记录下来:⇧+R

电脑

编曲的电脑主要对cpu、内存、硬盘有要求,音频电脑其实和视频电脑配置差不多,都需要数据吞吐量够大,视频电脑多集中在高端显卡上,音频可以降低显卡配置。

在进行编曲的过程中,主要是通过内存的加载与CPU的运算,同时配合硬盘来完成对音色的使用。因此,主要考虑的是CPU、内存与硬盘,显而易见的就是我们根本不需要显卡。由于市面上的品牌组装机存在着较为明显的溢价状态,所以比较推荐自己组装。

大致需要的参数如下:

推荐电脑

1、台式机设备建议(经济紧张型建议)

Cpu:I5 7400 7500 7600K,I7 6700

硬盘:500G或500G以上(建议固态硬盘)

内存:8G

预算范围:3000—6000

2、台式机设备建议(经济宽裕型建议,适合到后期)

Cpu:I5 8400 8600K 9500 9600K,I7 7700 8700 8700K

硬盘:1T或1T以上(建议固态硬盘)

内存:16G-32G

预算范围:6000—10000

3、笔记本配置建议(经济紧张型建议)

Cpu:I5 7260u,I7 7560u

硬盘:500G或500G以上

内存:8G

预算范围:4000—6000

4、笔记本配置建议(经济宽裕型建议,适合到后期)

Cpu:I5 7300HQ,I7 7700HQ

硬盘:1T或1T以上

内存:16G-32G

预算范围:6000—15000

推荐笔记本电脑:

1、Macbook Pro和iMac

Macbook Pro跟iMac得益于M1芯片的诞生,在使用Logic进行编曲时,整体的性能直线上升,所以如果是以Logic作为主要制作宿主的话,首当其冲的还是M1以上+16G以上的Macbook Pro 或者iMac。

在实际应用中,Macbook Pro适合移动处理,方便快捷便携,不受环境因素限制。而iMac更加适合在一个固定的地方进行操作。或者直接一样一个,Mac生态下,可以进行完美衔接。

苹果笔记本电脑MacBookPro16英寸2021年新款M1max芯片

Apple iMac 24英寸 4.5K屏 八核M1芯片(8核图形处理器) 16G 512G SSD 一体式电脑主机

2、华硕灵耀X

根据这个机器的配置,在进行编曲的过程中,两个屏幕的效果很显然要好于单屏幕,这款本的双屏幕,完全可以把参数设置放在下面的屏幕中,同时两款屏幕都是触屏的。

华硕灵耀X13 AMD锐龙八核 2.8K OLED P3色域全面屏 笔记本电脑

音频接口

音频接口就是我们常说的声卡,它的主要功能是对音频信号进行转换,直接推荐外置声卡了,因为根据电脑推荐来看,除了组装机外,其余的并不适用内置声卡。

推荐接口

1、SSL2+

自带4000系列模拟效果器,具备着两种声音特性,其一,具备音乐性的高频EQ提升,营造前进的感觉。其二,可控微调的谐波失真,更进一步融入信号链中。配合MonitorMix监听控制软件,带来了高品质的输出耳放效果,相对于SSL2来说,SSL2+增加至双耳机输出,同时配备了MIDI输入与输出接口,额外的非平衡RCA莲花输出接口方便DJ使用。

2、UA X4

为了方便操作,X4使用了与TwinX相同的倾斜面板,让操作变的更加的直观。DSP、Unison、AD/DA模块高度集成,高性能需要高电压,而为了应对高电压带来的发热,X4在两侧、底部都有设置开孔以此来增加散热效果。软件调音台一直是Apollo声卡的核心组成部分,X4同样也具备两个新特征,其一,所有通道推子的行程从0dB增加至12dB,通过提升通道输出电平,扩展整体混音动态。其二,全新DSP配对功能,可以在单一通道条内构建更大的插件链,虚拟通道数量将会随着DSP配对数量的增加而减少。

3、Apogee Duet3

作为Apogee Duet系列的最新产品,Duet3的诞生依旧秉承着Apogee最核心的音质体验,结合Apogee的传奇AD/DA电路设计,拥有同类产品中不可比拟的音质硬实力。Duet3拥有2个输入接口和4个输出接口,并配置世界一流的前级放大器,能够自然真实地再现每一个声音细节。连接音箱的输出接口使用真正的全平衡差分电路设计,准确掌握实时返听和混音监听的完整信息,体现声音的完整深度和细节。

Deut3使用了和Symphony Desktop相同的板载DSP处理技术,能够完全实现在声卡硬件上使用ECS通道条插件进行声音处理的功能,让零延迟并且带有效果处理的录音和实时监听成为可能。

4、RME FireFace UCX II

Fireface UCX II是第二代的FirefaceUCX超便携式音频接口,可以同时做20通道录音和20通道回放,带有SteadyClock FS高精度时钟,有着高性能的话放,内置参量均衡、动态处理、回声、混响DSP效果器,DURec(直接USB录音),MIDI输入和输出接口,强大的耳机放大器,且完全可以独立使用。

MIDI设备

按键的数量

一般来说,MIDI键盘的按键数量在25、32、49、61、88,如果整个音乐制作的过程中,需要用到较多的八度内容,那么使用61、88键较为适合。不过25、32键也不会影响太多,因为MIDI键盘上都有Octave+/-来调音域范围。49键则更适用于在家工作,因为通常来看正常编曲一般2-3个八度就够用了,49键就很符合。

按键的触感

触感上一般可以分为合成键盘、半配重、全配重。一般如果没有学习过钢琴的话,使用合成键盘或者半配重即可,学过钢琴的可以使用全配重。不过也需要考虑的事节奏速度的内容,由于全配重的按键回弹比较慢,所以在进行鼓组键盘录入的话会有一定的延迟。(可以配合带打击垫的MIDI键盘解决问题)

外出的需求

结合上面提到的按键数量,其中25、32、49比较方便携带外出,61、88就比较大了,并不是非常适合拿出去,很重。而且真要是演出的话,多数情况带的是舞台电钢或者合成器,比较方便。

功能的顺手

有的MIDI键盘只有按键内容,有的则有功能器、推杆、旋钮、打击垫等,通过这些附加的功能区,能够让整个音乐制作的过程变得更加的顺畅,不过如果只是想练琴,或者并没有想做综合的编曲工作,那么简单点的就挺好。

推荐MIDI设备

1、NI Komplete Kontrol S88

拥有全配重的Fatar键座,重新定义了电子钢琴手感,这款88键全配重键盘,具有先进的锤动原理、智能的弹簧技术以及记忆阻尼,能够带来真实的钢琴手感。S88能够将需要的信息提前呈现:两块高分彩屏能够完整展示当前声音以及工程的基本信息;背光按键能够以其背光亮度及色彩提示多种信息;还可以在键盘上通过光导指示灯时刻清晰地找到所需声音、键区、切换开关以及音阶等等——不用回到电脑屏幕,即可完成音色的选择、参数调节、工程控制以及混音。

2、Arturia Keylab Mk2

KeyLab mkII采用Fartar键床,跟Arturia MatrixBrute模拟合成器用的键床是完全一样的,全配重,带触后,5个踏板输入。KeyLab mkII不仅可以输出键盘演奏所产生的音高CV和琴键开闭的Gate信息,还可以自定义输出两个Mod CV。当处于创作区时,需要受到的音乐工具激发。Keylab88mk2就是这样的一台产片,每一个方面都经过精心设计,以尽量减少干扰,并提供省时快捷方式,让您在演奏中保持头脑清醒。Keylab88 mk2有三种不同的模式可以在这三种模式之间进行即时切换,从而实现极其高效的工作流程。

3、Nektar Impact GXP88

流线型设计,琴体细长、边角圆润、结构紧凑,外壳采用工程塑料材质,坚固而轻便,虽然体积较大,但总体质量控制得比较合理。极简风格的控制面板以可分配RGB照明按钮为主,并辅以弯音和调制轮、一个旋钮无极编码器以及一个传统电位器用于各种控制功能选择。其键盘部分采用了全新设计且精心平衡的键盘系统,是整个硬件的核心。实际弹奏时,下键流畅,指尖阻碍感适中,键噪极低。用于输入打击乐时有效降低了来自键盘本身的咔哒声。

4、Novation Launchkey49

具备8个旋钮编码器,全部都是无极旋转式。面板有16个打击垫,全部代有敏感的力度显示,还有不同颜色加持显示不同功能。49和61键版本多出9个推子可分配设置。除了面板功能外,NovationLaunchkey Mk3还提供了音阶、和弦和琶音器功能。让MIDI键盘摇身一变成为自动伴奏编曲键盘,因为在和弦模式下是可以一键弹奏出自己想要的和弦组合。琶音器功能也是相当丰富的,带有节奏设置和琶音变化可以为音乐锦上添花,做出有特色的有十足表现力的旋律。因为有MIDI输出功能,让琶音器可以轻松创建并生成琶音MIDI。

监听耳机

监听过程中,人声、乐器声高度清晰,能听辨出音乐中的每个细小声音,让整个监听过程细腻且真实。三频均衡中高音清晰、低音量足同时音质纯美,可以接触到音乐中的灵魂。

推荐耳机

1、铁三角 M50x

M50X的使用感受,其一,可换线设计,增加线材可玩性。其二,180度旋转的耳罩,可以用作单耳监听,满足录音师的监听需求。

频率响应:15~28kHz,额定抗阻:38欧姆。

2、AKG K702

耳罩式设计舒适、准确塑形的3D泡棉耳垫,以及一个皮质头箍,确保贴合头部。高解析少音染,耳机的声音风格适合小提琴等古典乐器的独奏,非常适合监听爱好者。拆卸方便,单边可拆卸耳机线,提供专业的迷你XLR接头,方便单边监听使用。

频率响应:10~39.8kHz,额定抗阻:62欧姆。

3、拜亚 DT770 PRO

DT770Pro保证对信号的解释达到高精确水准。封闭式结构使其对外界噪声可衰减16dB,即使在主监听扬声器面前,依旧可以不受影响地监听音乐。DT770Pro采用轻量化设计,贴合头部曲线,减轻头部压力。舒适佩戴感受,可以长时间聆听音乐不伤耳朵。

频率响应:5~35kHz,额定抗阻:32欧姆/80欧姆/250欧姆。

监听音响

推荐音响

1、真力8050

高性能反射导管深入人心的低频下潜,真力独创的流线型反射导管,去除了串窜流噪声。降低倒向口的空气流速。实现无压缩低频声音,使低频下潜更深,清晰度更高。有源主动式分频技术,无需额外添置昂贵的功率放大器。电子分频器将声音信号分为不同的频段,分别路由给对应的功率放大器。

宽阔的聆听范围,久听不累的舒适听感。高频单元周围的优雅弧度经过精密设计,实现对声波的精准控制,让最佳监听范围更加宽阔。不再固定在某个角度聆听,久听不累。

2、KRK V8

KRK Systems V系列近场录音棚监听,特别为注重精确还原的音频制作场合而设计。KRK与数百名专业工程师/制作人/调音师一起开发了这些突破性的监听扬声器。录音棚、演播室以及声音设计和音频制作室如果选择了V系列作为监听扬声器,一定会从中受惠。

V系列包含14种可由用户选择的均衡器设置,确保房间声学,位置不规则以及品味和个人喜好等因素都得到照顾。KRK设计团队精益求精地以数百个监听位置及房间声学条件进行了建模及分板,保证KRK生产出最实用的工具,而且只需要小的调整。

3、雅马哈 HS8

HS系列采用了新的设计方案,高效的1半球形高音单元大大扩展了可辨频段能提供高精度的高音。厚波导设计方案可以将振动降低至最小程度,因此这款全新设计的高音单元能平滑、无失真地再现高达30kHz的高频。

具备超高响应能力的低音单元同样经过全新设计,通过采用精选的大型磁钢,使HS系列音箱在任何输出电平下都能释放低失真,高解析度的低频声音,这款强劲单元的音圈和喇叭框架等所有部件严格筛选,保证了HS系列同时具备震撼的低频和准确的中频。

音频信号流程

音频线种类

设备连接

1、电脑和MIDI键盘、声卡的连接

2、话筒与声卡的连接

3、监听音响和声卡的连接

编曲配器

编曲配器一般是分为钢琴、吉他、架子鼓、贝斯。

钢琴

编曲过程

1、乐理层面

当然,简单的和声学很简单,复杂的和声学还是很复杂的。例如A叔的和声大部分是归于“简单”这一类的,当然不是说他的编曲简单,而是他的和弦配的不难,大部分都是一些七和弦,比较抓耳朵而且也比较容易转调。A叔用三声部,但基本不用对位法。他的三声部就是正常三声部,没有到达复杂复调的地步。

2、织体层面

有了乐理层面,其实编曲就入门了。一般写曲子,首先先把主旋律和和弦摆出来,然后去加花。加花的话,最佳的办法是模仿。包括也可以模仿人家和声的写法。一般是先模仿,慢慢的才能形成自己的风格。怎么模仿就看自己需要了。

比如,在A叔的化物语里面,有一段双手交替主旋律和伴奏的段落,那一段挺适合那种比较明快,但是觉得高音区有点单薄的曲子。那就可以有意识的去套用。包括A叔unravel中有不少那种把主旋律隐藏在高速分解和弦中的,这种也是很常见的编曲技巧,也是可以套用的。

在模仿到一定阶段后,再形成自己的织体结构。实际上,这些动漫钢琴家自己写的织体,也大部分是从古典中模仿而来的。所以说我觉得过程是尝试模仿—自己有了点想法—对模仿的段落进行修改——修改的越来越多形成自己风格。

3、节奏层面

提到节奏,主要是目前动漫编曲的节奏大多数都遵循切分。这个点可以注意一点把,可以营造一些紧张感和史诗感,这个来源于爵士编曲。一开始编曲,了解一些爵士的是最高效的。

Keyscape-Collector Keyboard钢琴这是Spectrasonics继著名的三巨头音色(Stylus RMX、Trilian和Omnisphere2)后再出的一款钢琴音色是目前较热门的钢琴音色。

点击下面这个链接可以一步步学习用钢琴编曲。

《【编曲教程】编不好钢琴?手把手一步步丰富钢琴伴奏~-哔哩哔哩】 https://b23.tv/pBgDhK2》

吉他

编写过程

1、指弹谱=伴奏(六线谱)+旋律(简谱);

2、以伴奏(六线谱)作为底本,把简谱的旋律音(音阶)填充到六线谱上;

3、旋律音填充规律是:把原始音升一个8度填充上去(要知道吉他指板音阶位置);

4、强拍上的前半拍(比如4/4拍的强弱规律是:强、弱、次强、弱)必须是和声音程(同时弹响两个音,这两个音要综合两个因素考虑:①、按协和程度排序;②、方便于指法编配);

5、弱拍上的旋律音不需要配和声音程;

6、编配完后弹几遍,小问题进行修改。

推荐吉他

Ample guitar M(国产AG系列吉他,音响十分真实)

Real Guitar(技法应有尽有扫弦声音比较真实)

结合以下这个视频更有助于学习用吉他编曲。

《【从零实战编曲教程!【吉他编写】全干货无废话!-哔哩哔哩】 https://b23.tv/2mk8pi5》

架子鼓

编曲技巧

1、底鼓

(1)主要注意与贝斯、和弦的搭配

(2)音色

一般需要找比较扎实、头音干净、很闷很重的音色。

注意其高频、中频、低频,厚度,有没有落地感。

对于低频漫射非常多的音色,一般用在没有贝斯的主歌部分。

抒情歌的主歌部分,基本都会用鼓边来替代军鼓,或者去掉一部分军鼓,这样在副歌使用军鼓时,就会形成一个由弱转强的对比

2、节拍位置

进鼓的小节第一拍一定要有底鼓,但是中间小节可以灵活处理

和军鼓不能重拍,也最好不要靠的过于近

靠近下一拍开头的底鼓,声音力度可以减小

编写事项

1、选音色

(1)先选底鼓,再选军鼓,最后选hihat

(2)军鼓和底鼓最好是一远一近的关系,底鼓听起来离耳朵近,则需要军鼓听起来较远,这样可以形成纵向声场

2、编写的时候

(1)先用hihat定位速度、节奏

(2)再在节拍的中间重拍上加军鼓,军鼓是最基础的节奏

(3)最后根据已有的hihat和军鼓来联想底鼓的律动感,增加底鼓

3、RMX

(1)注意,如果能找到合适的RMX loop,就不需要自己手写,除非在换节奏或者推动情绪的关键节点

(2)连续的小打,在节奏中不会有断点

推荐

XLN Audio Addictive Drums(ADD鼓)

Studio Drummer需要Kontakt加载哟~(录音棚实用鼓)

想要进一步学习用架子鼓编曲,可参考以下视频教程。

《【【编曲教程】架子鼓编写系统教程-哔哩哔哩】 https://b23.tv/c0Dg7i0》

贝斯

认识贝斯

入门指法

Trilogy Bass(各种各样的音色都有很饱满)

Spectrasonics Trilian(作为三巨头之一的它音质质感不错、贝斯种类齐全)

结合我的讲解,点击下面这个链接可更深度地学习用贝斯编曲。

《【【编曲教程】贝斯怎么编写?贝斯的编写方法及加花小技巧-哔哩哔哩】 https://b23.tv/z7TjUhM》

人声贴唱处理

混音与录音

混音是音乐后期制作中的一个重要步骤,是把多种来源的声音,整合至一个立体音轨或单音音轨中。而混音师的工作,就是需要将前面所进行制作的一些素材混合成成品。在混音的过程中,混音师会将每一个原始信号的频率、动态、音质、定位、残响和声场单独进行调整让各音轨最佳化,之后再叠加于最终成品上。

录音是当确定作词作曲、编曲之后,把每一轨扎扎实实地录下来,录音时需要考究的条件有很多,例如录音棚的隔音、声学空间和反射、演唱者的站位和与话筒的距离和不同的演唱演奏方式。有时候追求细节的录音过程可能一个乐甸或者一句歌词,甚至细化到每一个音都要重新录制和做调整。

基本流程

混音

推荐一个比较好的教程,大家可以配合我的讲解进一步学习。

《【20个混音意想不到的创意技巧,提升你的混音编曲效率-哔哩哔哩】 https://b23.tv/65pz5qP》

1、过带(把多轨MIDI输出成音频,输出时分立体,单声输出)

2、剪切掉不需要的空白部分。

3、试听全曲,记录每件乐器的特点和频率的分布。

4、开始对底鼓和BASS进行处理。

5、再去看乐器而定,一般我都喜欢也去看哪件乐器需要压缩进行处理后才开对其他乐器进行EQ处理。

6、EQ处理完以后开始空间摆设。

7、对每个轨道再进行扫频一次。

录音

1、在录音之前将会有录音师和您进行交流,首先要准备好伴奏和歌词。

2、进入录音室准备之后,调整话筒与耳麦的距离。

3、第一遍录音的时候,歌手要适应录音棚的环境,调整伴奏和人声大小,以使自己适合整个录音棚的环境。

4、在接下来录歌的时候歌手们便会进入状态,此时就可以正式录音了。

5、正式录音的整个过程,录音师将会指导,要是遇到某个难的句子会单独录制。

6、最后完成录制之后,进行后期的制作。

7、后期制作顾名思义就是整个录音结束后,把后期用效果处理一下,调节音量之后,在最后导出一个完整的音乐文件。

后期制作的流程包括:

(1)清除杂音。

(2)调整音准,将跑调的音修正。

(3)节奏调整,将没唱准的部分对准拍子即可。

(4)修剪呼吸口,在唱歌时歌手是要进行呼吸的,没有呼吸的歌曲会让听众听的很累,录音后气口会随着音乐情绪的变化有所不同。

(5)添加效果器,如压缩器、均衡器、混响、延迟等等。

(6)母带处理,简单的说母带处理后的音乐会变得更加饱满有力度,也适合也在任何放音设备里进行放音。

混音插件

1、Ableton Live compressora一款Ableton Live自带的压缩器,它的重点在于拥有完整的输入、输出与增益衰减的数字电平表,且在各部分还会同时显示峰值(Peak)与均方根(RMS)的信号,对于新手而言非常适合参考阈值的设定范围。除此之外还带有侧链功能,更能对侧链信号进行频率处理,另外还可以调节前视值(Lookahead)、拓展模式、另外两种显示模式、自动补益等功能,可谓好用而又全面。

主要特点:

(1)视窗界面由Arrangement View和Session View两个组成,Arrangement View提供类似于常规音乐制作软件的水平剪辑时间线,而Session View则提供在一个实时表演中所有剪辑的基于网格的描述。

(2)包含Impulse、Simpler、Instrument Rack和Drum Rack四种基础乐器,以及各种类型的外部拓展乐器

(3)拥有多种专为Live设计或兼容的MIDI控制设备,例如Akai的APC40 mk II、Novation的Launchpad、Ableton自己的Push。

(4)包含大部分数字音频领域的常见的MIDI和音频效果器类型,专为电子音乐制作人和DJ量身定制,也同样适用于传统乐器的录制

(5)更全面的音频采样处理功能,包括采样分析、时间拉伸、在线素材、MIDI转换等,以更适应乐曲全局的需要

(6)几乎所有参数都可以通过包络来自动化,不管是音频剪辑、音频设备的参数控制还是映射到MIDI控件

(7)大部分界面都适应现场表演和制作,用户界面很少有消息或对话框的弹出,可以基于箭头随时隐藏和显示某些部分

2、Xfer Record OTT aOTT是一款免费多段压缩器插件,使用起来非常方便。纵观整个插件,只需调节一颗“Depth”旋钮即可达到想要的效果,越往右音色就会越亮,且会产生更多的压缩效果。可以算得上是为数不多的“黑魔法插件”之一,只要加载进去用5秒钟调一下就会很好听。

3、I Heart NY al Heart NY 是一款在业内非常出名的平行压缩插件,界面十分简洁,操作也相当简单。用来处理鼓组、乐器音色或人声都相当不错,会带来更多亮度与冲击力,这是传统的串联式压缩处理所不能做到的效果。

编曲方法

我的讲解配合这个视频课程,可更有效地从零开始学习编曲。《【你还不会编曲吗?】B站首个从零开始的完整的编曲教程『275P更新完毕』-哔哩哔哩】 https://b23.tv/WGmwiIg》

编曲中加弦乐

在歌曲中加入弦乐能明显增加抒情性,我个人也是个弦乐控,特爱听弦乐丰满的曲子,嘻嘻。弦乐的编写最简单的就是以和声填充内声部,不过都这样写听起来会比较机械,而富于变化的弦乐编写会在不知不觉中给曲子增色不少。弦乐可以演奏歌曲的副旋律,但要注意不能干扰到主旋律。

编写弦乐通常需要做到与主旋律前呼后应、相辅相成,然后点上CB根音进行,再填写内声部,这是个关键,因为内声部不仅要起到和声的作用,还要有独立个性的旋律性,内声部的编写是需要功力的,这一点可以慢慢摸索练习。初写弦乐可以从长音着手,保持声部平稳流畅,同时起到丰满和声的效果,渐渐熟练后,就可以适当加入一些复调对位,增加曲子的推动力。

编曲流行配器四大件就是钢琴、吉他、鼓、贝斯。这四个乐器也是最常用的。

轨道命名法

很多编曲学习者的工程看起来比较杂乱,究其原因,无非是轨道命名没有统一的规则,给大家分享一套轨道命名方法。

1、大致的规则:乐器分组+乐器名称(+特殊技法+特殊效果+数字),

如:DRUM KICK HARD,表示的是:鼓组+底鼓+硬的;

STRINGS VIOLIN PIZZ VERB,表示的是:弦乐组+小提琴+拨奏+带混响效果。

2、乐器分组,常见的有:

DRUM—鼓,PERC—打击乐,SFX一特殊效果,BASS—低音,KEYS—键盘,GUITAR—吉他,SYNTH—合成器,STRINGS—弦乐,WINDS—管乐,VOX—人声组,SAMPLE一采样,TONAL﹣音高乐器。

3、合并原则,即某类乐器轨数较少,可以合并到接近的分类去,

如:打击乐只有一两轨,合并到【DRUM﹣鼓组】;合成器只有两轨,合并到【KEYS﹣键盘组】。

4、分组不宜太多,一般控制在10组以内,不过太少也不好。

如果吉他、键盘、合成器、弦乐、管乐等都只有一两轨,那么没有必要强行分组,默认它们都是TONAL组即可。

5、尽量使用英文,且所有英文大写,这样看起来会更统一些。多使用英文缩写,在不影响阅读的前提下,使用缩写效率会更高。

注意事项

1、自学会走很多弯路,建议找身边的有经验的编曲老师学习,或者网络课程。

2、听具有代表性的音乐,听它的配器组成,找出与歌曲类似的乐器与织体,研究不同于其他风格的编配技巧。

3、如果想成为一名把最终听觉掌握在自己手中的编曲师,那就要尽量在前期完成大部分的混音。这方面的学习,可以直接买书学习,也可以上网站与论坛学习。

4、不排斥任何有音乐和声音展现的媒体在观看视频时,多留意音乐和声音出现时给自己带来的情绪上的变化,总结这些音乐和声音的模式。

拓展知识

编曲方向

音乐人专辑、广告配乐、自媒体、影视配乐、游戏配乐、动漫配乐。

编曲风格

1、钢琴为主的Pop流行风格。

这个体系一般是比较柔和抒情的曲子,以钢琴作为主要的和声乐器。可以用到柱式、分解或者综合运用各种节奏型,主歌部分的鼓节奏可以用闭合击镲的音色支撑,到了副歌部分,为了突出织体,可以使用完整的鼓节奏。总体要求平稳,尽量不要切分。Bass的编写上不用太花哨,跟随强拍,使用长时值演奏。此外,为了更好地表现曲子的抒情性,可以加入一个pad音色进行融合,副歌部分可以加入弦乐来加厚织体。

2、吉他为主的Pop流行风格。

这个体系也主要是缓慢抒情的曲子,以吉他为主要和声乐器。可以选用尼龙弦吉他和钢丝弦吉他两种音色,钢丝弦吉他为主,尼龙弦吉他为辅,声像一左一右。鼓节奏可有选择稍硬朗一些的,有主干节奏作为骨架,为了增加主歌和副歌的对比,还可以加入军鼓的音色,当然,节奏需要加花推进的地方一定不要放弃使用。同样的,在副歌加入弦乐增加织体厚度。

3、16Beat的流动织体风格。

这种风格音符运动速度加快,音乐流动性增强,以十六分音符为基本时值单位,节奏平稳流畅,也是抒情类的Pop音乐体系。可以分别用尼龙弦吉他和电钢琴搭配作为和声乐器,使织体音乐色彩偏暖,突出音乐的抒情性。其中,尼龙弦吉他主要演奏主体的节奏音型,电钢琴则辅以和声形态的烘托,相辅相成。Bass同样是提供长时值的低音,有时也可稍加附点变化。鼓节奏安排上,可以用闭合击镲进行十六分音符的滚动式演奏,底鼓和军鼓进行节拍上的强弱搭配,军鼓则作为段落对比的重要手段,如前面可以用击鼓边的音色,后面可以用击鼓的音色。为了增加音乐流动感,还可以加入色彩性的打击乐器如沙球进行点缀。

4、传统的摇滚风格。

这种体系主要以原声音色为主,节奏轻快,情绪对比以及爆发性都不是很强烈。主干织体可用双吉他模式,木吉他进行扫弦式音型演奏,电吉他在二、四拍等弱拍上演奏和弦,以此来改变节奏的重音,造成摇滚的感觉。Bass可以选用力度强的PeakBass,基本保持与底鼓节奏一致,以强化强拍。鼓节奏处理上,军鼓的节奏基本固定,底鼓可进行不间断的切分,增加摇滚的感觉,可以使用击镲边的音色增加氛围感。另外,还可以加入一个合唱人声音色对织体进行丰富和烘托。

5、重金属风格。

重金属风格的特点是低音部分表现比较突出,因此Bass十分厚重,经常用失真电吉他展现激励的音响效果,间奏也常用电吉他来演奏大段Solo。为了突出低音,Bass的选择还是PeakBass,失真吉他音区选择也是偏重低音区,为了突出重金属感,主干织体可选择两把失真吉他作为和声乐器,扫弦式音型和长音相结合,凸显厚重的金属织体。Bass演奏以平稳的强弱节奏为主,注重音色的颗粒感,铺满整个低声部层。鼓节奏与普通摇滚节奏相似,连接处可进行填充加花,突出军鼓力度以增加摇滚的动感。副歌部分还可以加入两个色彩性打击乐器(如沙锤和手铃)进行点缀。

6、迷幻摇滚风格。

这类的摇滚风格,主要是电子加和声PAD,像陈奕迅和王菲的后期音乐有很多这样方面的风格编曲.比如香奈儿,再见萤火虫,浮夸,主旋律.这样的歌用了很多合成器.但是音色的风格来自于英国.像70年代就已经存在了.这类的特点就是,效果比较诡异和迷幻.喜欢的朋友可以不妨研究一下.

学习小技巧

1、学会构建体系。编曲学习是要建立在体系上的有了一套体系才能有针对性的选择性学习知识点完全吸收后再将其填补到它需要到达的知识点。

2、适当记笔记。在学习的过程中一定要养成记笔记的习惯否则学习内容就会变成过眼云烟,可以经常翻阅,久而久之,一切流程都会变得水到渠成。

3、在一阶段学习后尝试制作一些东西给自己营造反馈。编曲是需要实战的,光靠看视频学来的东西都会被遗忘。必须一步一步、脚踏实地的做好学到的每一样东西。百分之百的将知识点还原才能百分之百的提升自我进步的速度取决于平时练习的勤快与否。有了每一阶段的编曲作品反馈,才能总结出上一阶段哪里没做好,下一阶段需要加强哪一块知识点。有方向性的学习编曲,实践制造反馈后又再次服务于下一阶段的学习方向,这样才能不断进步。

编曲常见误区

1、总是想要收集并搞懂所有音源。初学最好先掌握几款最重要的主流音源,等了解常用乐器的音色分布特点和弹奏技巧,把基础的编曲做好后,再慢慢地接触新音色,一步步完善自己的能力。

2、编得越满越好听。不考虑频段打架,拼命在作品中加各种音色,最后作品结构混乱,主次全无。点缀的乐器盖过了主旋律的表达。

3、为了“高级”乱用各种音。把音阶上的音用遍不是本事,用尽可能少的音符表意清晰才是高手。删掉声部里不必要的音,修改会出现不良音响效果的音,把要强调的音调节力度和位置突显出来。

八、编曲和写歌的区别?

编曲和写歌是两个不同的过程,存在着一定的区别。编曲和写歌是两个不同的过程。写歌是指创作歌曲的歌词和旋律,主要是对情感、故事情节等进行表达。而编曲则是对已有的歌曲进行改编和翻唱,主要是通过改变乐器演奏方式、节奏和音调等形式,创造出不同的音乐效果。编曲比写歌更注重音乐的表现力和技巧性。虽然编曲和写歌是独立的过程,但对于现代音乐而言,写歌和编曲往往是密切联系的。很多歌曲都需要进行编曲,才能更好的传达歌曲的情感和意境。因此,无论是作曲家还是音乐制作人都应该掌握编曲和写歌的技能,以创作出更优秀的音乐作品。

九、怎样写歌词和编曲?

写歌词和编曲需要一定的技巧和创意,但是并不难,只要有充分的时间和耐心。首先,在写歌词方面,需要有一定的灵感和情感沉淀,深入地挖掘自己的内心世界,把想要表达的情感概念转化为语言,并且要遵循歌曲的整体风格和经过仔细的润色和修改。在编曲方面,需要掌握音乐理论和乐器演奏技巧,可以尝试用各种乐器来创造具有独特美感的音乐效果。此外,编曲还需要注重层次和节奏的把握,根据歌词情感调整音色和和弦的变化等。总之,写歌词和编曲需要长时间的练习和积累,多听多写多练,才能获得更好的创作效果。

十、写歌和编曲什么区别?

写歌和编曲是音乐创作的两个不同方面,主要区别如下:

写歌是指创作歌曲的歌词和旋律。歌词是歌曲的文字部分,通常包括词语、句子、段落等,用来表达歌曲的主题、情感和意义。旋律是歌曲的音乐部分,通常由一系列音符组成,用来表达歌曲的情感和节奏感。

编曲是指将歌曲的旋律进行重新编排和配器,以达到更好的音乐效果。编曲可以包括改变旋律的节奏、速度、音高等,添加和调整乐器的声部和音色,以及调整整个歌曲的音乐结构和风格等。因此,写歌和编曲是两个不同的创作过程,但它们通常是相互关联的。写歌需要有一个好的旋律和歌词,而编曲则需要有一个好的歌曲作为基础。同时,编曲也可以为歌曲增加更多的音乐元素和表现力,使其更加丰富和生动。

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